2016年美国戏剧学科发展报告
内容摘要：戏剧学科的正式出现与戏剧艺术的发展成熟密切相关，在美国，戏剧学的起源往往被学界以地域为标准划分成“中西部”与“东部”两支。二者虽均属戏剧学范畴，但在学科重点、发展目标等具体方面却大行径庭：一个将戏剧视为终生学习的“工具”、注重其技术性，另外一个则将戏剧视为独立的艺术、注重其整体性。随着时间推移、世界戏剧大环境的变化，二者对戏剧的关注点都从文本创作转移到了舞台呈现方面。2016年是美国戏剧学发展史上一个平稳而普通的年头，在这一年里戏剧学家们把将戏剧研究同时代、社会情况相结合，置身文化发展的动态环境中反思、探索戏剧的发展前景。本报告后半部分重点介绍了美国2016年戏剧学科动态，内容包括研讨会、戏剧论著、学术论文、戏剧作品几个方面。
关键词：戏剧学表演；社会科技演出
一、学科发展概览
同其他国家相仿，戏剧学科在美国的出现与戏剧艺术的发展成熟密切相关。1905年，时任哈佛大学教师一职的乔治·皮尔斯·贝克（George Pierce Baker）在自己教授的英文课程下开设了“47号课堂”来指导学生进行戏剧文本创作，他也由此成为美国第一位戏剧编剧教师。1908年，贝克不满意自己的编剧教学只能依托文学类课程才得以存活，于是创办了哈佛戏剧俱乐部，在“47号课堂”的基础上成立了一间“47号工作室”——该工作室的建立不仅为培养专门的编剧人才提供了条件而且为创作出的文本提供了被上演的可能。然而哈佛大学迟迟没有专门的戏剧类学位，戏剧课程若想“生存”下去必须要依附于其他学科，戏剧教育始终是其他学科教育的附庸。于是，不甘于现状的贝克在1924年跳槽去了纽黑文市的耶鲁大学戏剧系。适时，耶鲁大学戏剧系刚刚成立。这是美国第一个开创在综合高校的戏剧系（当时下设在美术学院）且拥有属于自己的剧场，其前身为创建于1900年的耶鲁大学戏剧协会，后由耶鲁校友爱德华·S.哈尼（Edward S. Harkness）向母校捐赠大量资金在这一协会的基础上创办。贝克在耶鲁大学担任戏剧系主任，指导学生的戏剧教育工作。随后，美国各大院校纷纷设立戏剧课程、建立戏剧专业，戏剧教育在大学院校中逐渐发展起来。至20世纪40年代左右，人们已不再满足于将戏剧视为文学的分枝，注意力开始从单纯的戏剧文本研究转移到戏剧舞台实践方面并注重对青年戏剧人才进行全方位的培养。戏剧学作为一种新兴学科逐渐为人接受。
但美国戏剧学科又与欧洲国家的不同：若我们追根溯源，会发现戏剧学的起源与发展往往被美国学界以地域为标准划分成“中西部”与“东部”两支。二者虽均属戏剧学范畴，但在学科重点、发展目标等具体方面却大相径庭。
美国戏剧学科首先出现在中西部地区。实际上中西部这一支是由美国东部院校如卡内基、耶鲁、哈佛等著名高校的学者构建起来的，上述院校开辟了戏剧专业实践训练先河，着重培养学生的编剧、表演、演说以及口译等技能。20世纪上半叶，由东部院校发展起的这一训练模式逐渐在美国中西部一些大型院校中流行起来。此时恰逢教育学家约翰·杜威（John Dewey）倡导的实用主义教育理论风靡全美，戏剧在舞台实践方面表情传意的功能受到人们重视。戏剧学也因此被人们同语言表达类的职业需求联系在一起，如西北大学的戏剧部即与口译、交流学、录音、电影、电视等系部一同下设在了演说学院（School of Speech）。可以这么说，在戏剧学科的开创期，戏剧被当作一门语言表达艺术起着职业训练作用。1949年，美国教育戏剧协会（The American Educational Theatre Association）在密歇根大学成立，并创办刊物《教育戏剧杂志》（Educational Theatre Journal）
，这一组织的宗旨是支持与推进美国高等院校戏剧同表演的研究与实践，将戏剧视为一个需终身学习的工具。上述观念对美国戏剧教育产生的影响延续至今：戏剧教育被当作学习与认知世界的方法，它的主要功能是挖掘人自身的能力，是一种举足轻重的教育工具，甚至美国年度“创造性戏剧奖”也被解释为“创造性戏剧是有关少年儿童内在创造性与社会成长的活动，而不是将这些引申为呈现给观众的演出活动”。
在美国东海岸兴起的则是一种有别于将戏剧视为演说交流训练工具的戏剧学理念。在东海岸这支戏剧学队伍中，耶鲁大学戏剧学院起着举足轻重的作用。1930年，被视为东海岸戏剧学领军人物的澳大利亚学者阿洛伊斯·纳格勒（Alois Nagler）以客座教授身份执教于耶鲁大学，后于1942年被正式聘任为耶鲁教师。同中西部那些习惯了把戏剧同语言学联系在一起的学者不同，纳格勒深受欧洲戏剧学理论影响，他重视戏剧的学术研究探索，试图将美国戏剧从语言表达训练工具这一角色中解放出来、恢复戏剧自身艺术特色。同中西部戏剧学理念相比，纳格勒的这种观念更加趋同于我们现代观念中的戏剧学，它受到德国戏剧学家麦克斯·赫尔曼（Max Hermann）的影响，在20世纪40年代得到迅速发展。1955年，在常春藤联盟的提议下耶鲁大学戏剧系从美术学院中独立出来，成为专业的戏剧学院，其学科教育包括：表演、设计（服装设计、灯光设计、投影设计、音响设计）、导演、戏剧、戏剧批评、编剧、舞台管理、工艺设计与生产以及剧场管理。从学科设置上可发现，以耶鲁戏剧学院为代表的美国东部戏剧学注重对学生进行多方位培养，它意在让学生对戏剧艺术有系统全面的认知与把握，而不是简单地将其视为学习其他技能的工具。此外，东部这支学术队伍不满于美国教育戏剧协会及其刊物的创办理念，在1955年欧洲成立国际戏剧研究联盟（International Federation of Theater Research）后，作为8位创始会员之一的纳格勒决定在美国另起炉灶，于1956年在美国东海岸创立美国戏剧研究协会（American Society for Theatre Research），致力于戏剧学科的学术探索。4年后，该协会的杂志出版发行，名为《戏剧调查》（Theatre Survey）。
可见，美国戏剧学科自发展伊始即有两个不同的着重点——将戏剧视为学习的一种“技能工具”、注重其技术性与将戏剧视为独立的个体、注重其艺术的整体性——中西部与东部的这种分歧或者说差别一直持续到了现在。
尽管在学科建设目标与着重点上有所不同，但随着时间推移、世界戏剧大环境的变化，上述二者均将目光从戏剧文学领域的文本创作转向了戏剧的舞台实践。在谈及这一发展时我们需要注意德国戏剧学在美国戏剧学这一转向中起到了尤为重要的作用。德国戏剧学家赫尔曼关注戏剧的塑形（embodiment）过程，他不看重文本，而是将重心放在对戏剧“体验”的探索上，他着重研究戏剧如何对人产生影响。耶鲁大学接受了赫尔曼的戏剧观点，学者们着重戏剧体验过程，将研究重点放在表演活动层面，认为戏剧是一个被用特定形式呈现出的“事件”；但以纳格勒为代表的一些学者并不认可赫尔曼理念，在他们看来演员的身体只是戏剧众多元素中较为重要的一个，不意味着它可以取代全部，研究戏剧艺术应关切到舞美、音效、服化等各个方面。至于原本就注重表演的中西部在赫尔曼的影响下更加注重训练戏剧的表演技能，愈加关注人在表演时的声音控制、演说方式——当然这在一定程度上也应该归因于约翰·杜威的实用主义教育理念。
需要一提的是，在谈及美国戏剧学时“戏剧表演学”这个概念往往会被提及。美国戏剧表演学最为著名的院校有两所——纽约大学，在那里戏剧表演学被看作是表演学下的分枝，它注重的是“表演”元素；西北大学，戏剧表演学同戏剧学被看作是一奶同胞的学科，二者虽各自独立但师出同门，它注重的是“戏剧”这一元素。戏剧学的发源国德国在学科设置上并不存在这种问题：20世纪20年代赫尔曼提出戏剧学的概念主要是为了同将戏剧看作是文学文本的传统观念相区分，他将戏剧视为一个社会性质的事件与一个塑形的行动过程，所提出的戏剧学概念已经兼容了后面现代表演研究所关注的问题。
最后，从宏观上来看，美国戏剧学的教育发展到现在基本可以分为两个部分：职业教育与非职业教育。戏剧学科职业方面的教育往往是针对戏剧实践类人才的，其建设目的在于为戏剧或演艺界输送专业型人才，注重对学生操作技能的培养；在学位授予上，执行职业教育的戏剧院校授予学生的是MFA（艺术硕士学位）与DFA（戏剧艺术博士学位）。不过在美国戏剧教育中更多的是非职业戏剧教育，相对于职业教育这种教育模式更加注重培养学生对于戏剧艺术的学术研究能力，尽管所开设的课程也包括了编、导、演、舞美、灯光等，但它更为偏重通识教育，要求学生具备深厚的人文知识素养，其授予学位是MA（学术硕士学位）与PhD（哲学博士学位）。
二、主要学术成果和理论创新
2016年是美国戏剧学发展史上一个较平稳普通的年头。戏剧学家们把戏剧研究同当下社会相结合，置身于文化发展的动态环境里反思、探索戏剧的发展前景。在请教相关学者、查阅大量资料后，本报告选取了两个年度热点论题、两篇学术论文、五部新发行书籍、两部年度戏剧作品作为阐述对象，并格外关注到美国戏剧学界的亚洲（以中国为主）戏剧研究情况（该部分包括一篇论文一本书籍），尽可能全面地对2016年美国戏剧学科的发展做出介绍。
（一）数字媒体技术与戏剧演出
戏剧演出“数字化”可以算是2016年美国戏剧学者所关注的热点内容。纵观戏剧史，从剧院灯光的运用到如今多媒体技术在舞台上的普及，戏剧艺术的发展同科学技术的进步密不可分。早在1999年，《戏剧杂志》（Theatre Journal）曾推出“戏剧与科技”（Theatre and Technology）专刊，预言性地指出随着新兴技术的出现，戏剧将会拥有更为广阔的发展空间。时隔10年，《戏剧杂志》又推出了一期“数字媒体与演出”（Digital Media and Performance）专刊，从社会、美学与本体学角度探讨了数字媒体技术对于戏剧的影响。2016年，戏剧学者们再次将注意力投向媒体技术与戏剧演出关系这一课题，《戏剧杂志》笔耕不辍推出“数字化”（Digital Issues）专刊，从“演出中的媒体”“媒体与演出”及“作为演出的媒体”几个方面对当下数字媒体技术与演出的关系展开探讨。
这期专刊具体展开了这么几个论题：①如果说大屏幕、投影、动画与电子设备在舞台上的使用已经是屡见不鲜，那我们是不是有必要思考将把戏剧从这种“媒体剧场”手中交还给原始的“戏剧剧场”？②如果长此以往发展下去，戏剧艺术会不会成为数字媒体与科技的附庸？③当这个社会连同人类的政治活动均以数字媒体的形式呈现在人们眼前，戏剧又应该如何去回应这种已经被数字媒体塞满的生活？不同的学者对这些问题给予了不同的答案，他们从不同角度阐述并评价了当下数字技术与戏剧艺术之间的相互“叠加”。
在这期专刊里最引人瞩目的是一篇题为《想象中的戏剧：科技与表演》的文章。该文邀请来十位戏剧理论家、艺术家对未来戏剧展开想象，要求每人在一页纸的规模限制内创作一出概念展演，以此探索戏剧在未来发展中会遇到的各种可能性与不可能性。这些作品虽各有侧重（人工智能的使用、戏剧演出中的交流、舞台表演等）但都重视对数字媒体的运用，视频、全息投影、计算机代码、社交媒体等众多科技手段被娴熟运用其中。其中有的作品如《重力旋律》故事情节中规中矩，上演于传统戏剧空间，但它用一架精巧的机器取代演员进行表演，引导观众将注意力集中在戏剧艺术与高新技能的结合上，力图探寻数字化时代里戏剧发展的多种可能性。有的作品看起来不合常理，打破了戏剧演出在物理空间上的传统或者违背了人们的日常行为准则，她需要在“理想的场所”上演，保证其不为经济、社会规则、伦理要求或是其他各种现实因素所制约。
这些“想象中的戏剧”的每一个构思都彰显了对戏剧的期望，都以一种寓言或悖论的形式对戏剧艺术本质进行探讨，并用多种方式对未来戏剧发展的种种可能性做出详尽说明。在过去几千年中，戏剧总先以文本形式被构思出来，继而通过演员的身体、呼吸、嗓音塑造出理想人物形象呈现上舞台。当下信息技术发展如此迅猛，人们尝试用代码取代文本、用高科技取代舞台上的有机体从而创造出新潮戏剧作品。如今，科技在当下戏剧领域既是一种舞台元素也是一种创作手段，甚至会成为戏剧样式本身。
此外，文章还针对戏剧理论与实践的关系做出探讨，戏剧理论往往从戏剧实践中来，而后指导或影响后续实践创作。以往人们在谈论戏剧时往往会涉及作品在“实践、展现、艺术”上的成就与在“理论、批评、学术”上的价值。在数字化时代，戏剧作品的内容与形式都在不断更新，相应的，新的戏剧理论也应运而生。“想象中的戏剧”试图在创作中将实践同理论合二为一，从而引出以下论题：戏剧理论本身是否可以构成一个事件，或者说一部戏剧作品本身是否可以被看作是对一种新型戏剧理论的理想创建？
（二）“美国风格”再思考
经典作品复排在美国当代戏剧舞台上屡见不鲜，不过近些年来这些作品的演出中出现了一个共同特点：启用黑人演员。有评论家认为这是美国戏剧的一大进步。然而华盛顿大学表演学教授佩姬·金尼（Paige A. McGinley）在其《对“美国风格”的重新思考——论〈欲望号街车〉与〈热铁皮屋顶上的猫〉中的黑人演员与黑人音乐》一文中对此提出质疑。
多年来，评论家们认为除了特别被标注出的文本外，一般作品里的故事都被默认为发生在白人角色身上、反映白种人的社会生活，而如今这些演出大量启用黑人演员其实是将这种文化界限打破、为黑人艺术群体提供了更多的演出机会。他们公认2008年《热铁皮屋顶上的猫》（Cat on a Hot Tin Roof）、2012年《欲望号街车》（A Streetcar Named Desire）中选择黑人演员扮演主要角色标志着戏剧界在种族与社会文化方面打破了作品的白人文化特权。
而《对“美国风格”的重新思考——论〈欲望号街车〉与〈热铁皮屋顶上的猫〉中的黑人演员与黑人音乐》恰是对田纳西·威廉斯（Tennessee Williams）的作品进行回溯，金尼教授指出原作无论是在故事角色设定还是在音乐选择上都同黑人文化有着密切关系。文章以20世纪50年代威廉斯、导演伊利亚·卡赞（Elia Kazan）、舞美乔·梅尔齐纳（Jo Mielziner）合作的《热铁皮屋顶上的猫》与《欲望号街车》两部作品为例，从演出细节尤其是音乐方面入手找出了作品所固有的黑人文化元素，并分析了黑人文化元素为什么会在后面的演出中消失不见，以至于如今它再次出现时会被诸多评论家误冠以“打破”“开创”的历史意义。进而，作者指出一个严肃的问题——尽管如今越来越多的舞台演出中出现黑人元素是社会文化进步的表现，但“美国风格”从开创伊始便融合了黑人文化元素，所以当下启用黑人演员、彰显黑人文化的戏剧演出并不能被看作是对“美国风格”的提升与创新而是对其原本的回溯。
（三）戏剧的转变
2016年11月美国戏剧研究协会举办了第60届戏剧研讨会议，这次会议以英文词根“trans”为题，意图探讨戏剧在时刻变化着的当下环境里应如何做出相应的转变。
戏剧始终是一门跨门类的艺术，不同领域在其中交叉与融合。例如，在过去三十年里，跨性别政治对戏剧与表演学中至关重要的酷儿研究范式提出了挑战，甚至古希腊戏剧也可以通过当今热门“跨性别”探索获得各种不同的解读。所以，外界大环境与其他学科的发展变化不可避免会对戏剧学科的发展起到一定影响，在讨论戏剧发展的时候必须要置身宏观大环境之中。这次会议恰逢在美国总统选举后举行，所以学者们还面临着一个政治上的转变。本次会议的论题包括：跨性别政治与表演，戏剧与表演中的政治倾向，行动的转移，转变、流动性与表演，越洋的表演实践，转型期中的戏剧，戏剧形式的转变，演出文本的多空间探索，反行动性戏剧等。大会主办方提出，面对当地与全球性的变化，戏剧工作者有义务去探索戏剧所具有的传输与美化功能，要将戏剧艺术置身于社会大环境的转变中，顺应时代的潮流做出转变。
（四）亚洲戏剧在美国的研究
美国戏剧学界向来对于亚洲戏剧格外关注，美国高等教育戏剧协会在年度会议上便设有名为AAP pre-conference的年度研讨项目。这个研讨项目主要是为了展示不同学者在亚洲戏剧研究上的成果，形式包括论文宣讲、工作坊与圆桌会议。2016年举办于伊利诺斯州芝加哥市的会议上，学者们集中探讨“爱”与“劳动”在亚洲传统戏剧中的重要地位并商议出版《亚洲戏剧手册》相关事宜。
提到中国戏剧，国外学者们想到的往往是中国传统戏曲。不过中国现当代话剧现也逐渐出现在美国学者的视野中。五四以来，话剧对中国文化与政治起到了重要的影响，但在海外如若提到“中国戏剧”，人们一般想到的是古老的戏曲艺术形式，至于对现当代戏剧的研究实在少之甚少。2016年由海外中国学者所编著《呈现中国：二十一世纪的新戏剧》（Staging China: New Theatres in the Twenty-First Century）一书的发行打破了这一局面，这是一本介绍21世纪中国戏剧概况的书籍，也是21世纪第一本对中国话剧做出介绍的英文书籍。该书介绍了十余部中国舞台上的话剧作品，通过这些具体的作品来展现中国社会的变迁。该书以丰富的历史调查与详细的个案分析，介绍了中国当下最知名的编剧、导演与剧团，勾勒出中国戏剧在政治大环境与艺术变革中如何实现自身现代化的轨道进程。这本书的研究对象包括经典戏剧、宣传剧以及独立戏剧，论述了这些戏剧目前在中国社会所面临的种种挑战，为国外戏剧学者展现出当代中国话剧的详细面貌及其随着时代文化大背景变迁而变迁的历史过程。戏剧学者马文·卡尔森指出：话剧不仅仅是中国戏剧的一个重要样式，也是世界戏剧的重要组成部分，对其进行研究是十分必要且具有开创性的。
（五）一些新作
（1）《展演》（Performance）：谈表演的力量
“展演”（performance）是一个广义概念，这个词在当代涵盖了多种社会行为。纽约大学表演学教授迪娜·泰勒（Dina Taylor）在其《展演》一书中探讨了“展演”的定义同功能。泰勒从艺术、经济、性别、政治、技术等不同领域对展演做出论述，解释了它在日常生活中的体现，也讨论了身体表演所呈现出的性别、种族特征。这本书图文并茂，阐述了展演是如何成为一种即时性艺术形式、具有力量的行为方式、传递记忆与身份的方法以及理解这个社会的途径。
在开篇，迪娜·泰勒提出自20世纪60年代，艺术家们将身体视为艺术实践的重中之重；在最后章节她提出这么一个问题：如果我们严肃地考虑身体对于知识所具备的创造、存储、转移功能，那么我们的学科与研究方法是不是会发生改变？泰勒探求了展演的文化、政治与美学意义，不仅阐述了展演是什么，也讨论了它能够为社会带来什么：它可以呈现、可以让人体验、可以创建理论，且同权力系统有着紧密复杂的联系。在本书结尾，作者发出强有力的呼吁：展演是一件强有力的武器，人们必须认识到这一点。有人在读完这本书后评论说，迪娜·泰勒是一位敢于振臂高呼的勇士，是一位模范学者，她非常具有洞察力，充满了对表演者与表演的热爱，黑人女星安娜·德沃尔·史密斯（Anna Deavere Smith）说：“我一定要在我幕后的每一间化妆室内放上这本讲述了表演学、表演艺术甚至是（在我看来）各类艺术家的编年史。”
（2）专著《打碎哈姆雷特的镜子：戏剧与现实》（Shattering Hamlet's Mirror: Theater and Reality）：论戏剧艺术与真实
戏剧学者马文·卡尔森（Marvin Carlson）的专著《打碎哈姆雷特的镜子：戏剧与现实》由密歇根大学出版社于2016年4月出版发行。这本书以哈姆雷特名句“戏剧是现实生活的镜子”为切入点，阐述了戏剧与现实的关系。
近些年来，欧美戏剧偏重在舞台上表现真实——演出中的角色非凭空捏造，“扮演”角色的演员往往即是角色本身，台上故事直接提取自真实的日常生活，甚至有时演出在真实的环境中发生而不是像之前一样用舞美再现于舞台。很多人认为将生活直接搬上舞台是后—后现代（post-postmodern）的特色，认为如今戏剧艺术违背了其亚里士多德的模仿说。马文·卡尔森认为，戏剧从古至今都是真实的，这一点从来没有被更改，只是在当下“戏剧”与“真实”的界限已经模糊。当谈及戏剧真实性的时候，应当拿它与镜中映像做比较：众所周知，呈现在戏剧舞台上的形象与镜中映像不同，前者是由真实存在的实体（尤其是身体）构成的，它们有别于真实世界的镜中倒影，自始至终都是一种独立的真实的存在。
这本书涵盖了美国、法国、德国、俄罗斯等国的戏剧史，它一方面追溯了18、19世纪戏剧的发展，另一方面以当代剧团（Rimini Protokoll, Societas Raffaelo Sanzio, the Gob Squad, Nature Theatre of Oklahoma, Foundry Theater）的具体实践为例，让读者站在宏观的角度理性客观地了解先锋戏剧与当下实验性戏剧所表现的“真实”特点。有评论家指出，尽管先前也曾有戏剧家注意到了先锋戏剧对于“真实”的运用，但卡尔森显然将“真实”提升为探讨戏剧发展史的重要元素。
（3）《戏剧顾问与戏剧角色：纵览》（Dramaturgy and Dramatic Character: A Long View）：有关戏剧角色的构建
戏剧人物是艺术领域由来已久且广为人知的话题，作者威廉·斯通（William Storm）纵观古希腊狄奥尼索斯时期直至今日的戏剧艺术，尝试在《戏剧顾问与戏剧角色：纵览》一书中研究出人物在历史的关键时期是如何被构想出的。他将注意力放在舞台人物与小说、影视剧以及其他视觉艺术中虚拟人物的对比上，着重强调了戏剧人物同剧作结构、戏剧风格与戏剧类别的关系。威廉·斯通尤其注意研究戏剧人物的思考过程，研究他们在力量、个性以及自我意识方面的特征。这本书对于戏剧实践者、戏剧学者、戏剧类师生以及广大的观众都具有借鉴教育作用。
（4）《美国戏剧与演出1898—1949》（U. S. Theater and Performance 1898－1949）：社会大环境下的戏剧
《美国戏剧与演出1898—1949》讨论了如下几个问题：在1898至1949这一时期，戏剧如何反映国家所关心与焦虑的问题？当美国走向国际舞台时，美国的戏剧如何与文化、政治紧密联系在一起？哪一些理论批评对人们检视文化现象最具帮助？戏剧表演与戏剧作品如何影响观众的社会参与感？该书被看作是反思美国戏剧的理想范本，它站在不同的批判性视角上（殖民主义、宗教、种族和族裔、性别、经济制度、政府体制）审视了美国文化发展过程中一些重要剧作家、导演、设计师以及剧团的工作，为戏剧在当下跨学科、多元化的环境下的发展提供了参考。
（六）成功的舞台实践
2016年，音乐剧《汉密尔顿》（Hamilton）一举拿下美国两大顶级戏剧奖：普利策戏剧奖与托尼最佳音乐剧奖（该类别下设的16个奖项均提名了《汉密尔顿》，最终捧回11个奖项，其中包括最佳音乐奖）。普利策奖颁奖词写道：“这是一部里程碑式美国本土音乐剧，它围绕一位才华横溢最终却走上自我毁灭道路的开国元勋展开，这个故事颇具当下意义且魅力十足让人无法抗拒。”这部作品同其创作者（编曲、编剧、主演）林—曼纽尔·米兰达（Lin-Manuel Miranda）一时成为热议对象，美国大大小小的书店橱窗无一例外均摆放着林—纽曼尔的《汉密尔顿：革命》（Hamilton: The Revolution）。《纽约时报》称：“（这部戏值得）你抵押房子或者出租孩子来换一张票去看。”《汉密尔顿》俨然已经成了2016年美国的一个文化现象。
这部传记性质音乐剧讲述了美国第一任财政部长亚历山大·汉密尔顿（Alexander Hamilton）的故事，它严格遵照历史，以汉密尔顿生活与政治生涯中的几件大事为重点对主人公的一生展开叙述。故事情节涉及了他的战友与政敌、他同妻儿的深厚感情以及他犯下的错误，历史人物如乔治·华盛顿（George Washington）、托马斯·杰斐逊（Thomas Jefferson）、詹姆斯·麦迪逊（James Madison）等人在剧中轮番上场。作品在编舞、道具、舞美、灯光、台词以及人物设置上均用心打造，有诸多可圈可点之处：如演出舞台分为两层，均可旋转，顺时针旋转时故事情节为正叙，逆时针旋转时则为倒叙——舞台成为一台时光机，让历史与现实相互吻合；再如在舞步设计上为表现汉密尔顿横冲直撞从不退让的性格，他的舞步均为直线形，而阿龙·伯尔（Aaron Burr）性格隐忍关于深藏不露，所以他的舞步是曲线形。除故事情节外，《汉密尔顿》最大成功之处在于其音乐：这部戏以嘻哈为主，穿插了爵士、节奏布鲁斯、锡盘巷等多种音乐元素，它打破了百老汇舞台上中规中矩的音乐传统，让出身于黑人文化的音乐形式敲开了主流戏剧界的大门。另外，《汉密尔顿》启用了众多黑人与拉丁裔演员——全剧主演有十位，只有一位是白人演员；台上群舞几十位，只有一位是白人舞者。启用黑人演员在美国如今的戏剧舞台上并不罕见，出于文化政治方面的原因，在戏剧演出中制作方通常会选择一两个角色由黑人或是拉丁籍演员出演，但像《汉密尔顿》这样大幅度地动用黑人与少数裔可算是美国主流戏剧界首创。这部作品在角色选择上真正实现了种族平等，也同音乐风格相得益彰。
除火爆全美的《汉密尔顿》外，2016年托尼奖最佳戏剧奖获奖作品《人类》（The Humans，同时它也获得了普利策戏剧奖提名）也在美国戏剧领域引起了不小反响。《人类》的编剧是斯蒂芬·卡拉姆（Stephen Karam），导演为乔·曼特罗（Joe Mantello），故事讲述了一个来自宾夕法尼亚的家庭在感恩节前夜于纽约曼哈顿下城一个破旧公寓里发生的故事，在那个傍晚，公寓发生了怪异的事情，每个家庭成员隐藏于心的秘密也开始显现。托尼奖评价该剧“是一部描绘了美国普通家庭心理与情感的深刻且感人的戏剧”。
有意思的一点是《汉密尔顿》与《人类》最初均为外百老汇作品，可见尽管美国戏剧界“等级森严”，但优秀的作品无论出身何处终究还是会被发现甚至授予至高无上的荣耀。
综上可见，对戏剧发展的探索是2016年美国戏剧学科的主要内容。无论是探求戏剧艺术在数字媒体时代发展的种种可能性，还是探讨戏剧在瞬息万变的当下社会应如何做出转变，学者们无一不将对戏剧同当下大环境密切结合，时刻置身于文化发展的动态环境中。学术论文《对“美国风格”的重新思考》与年度巨作《汉密尔顿》反映了美国舞台近年来频频使用黑人演员这一现象，种族问题一直是美国社会的热点问题，如今主流社会在种族问题上所持的态度足可从戏剧领域窥见一斑。几本新书体现了2016年戏剧学者在不同方向做出的研究，其中包括展演、编剧、戏剧理论与戏剧史等。介绍中国戏剧艺术的文章《技术是看家本领》跟书籍《呈现中国：二十一世纪的新戏剧》一经发表、出版均受到关注与好评，这说明美国戏剧学界对中国戏剧有较高的关注度，但这同时也说明中国戏剧在美国的译介研究较为匮乏，力度需提升。
三、2016年美国戏剧学科相关阅读文献推荐
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